Original BTC nimmt an der ersten Ausgabe von Dovetail teil, einer neuen zweiwöchigen Veranstaltung in Manhattan, die die Arbeiten herausragender britischer Kunsthandwerker auf die andere Seite des Atlantiks bringt. In unserem Showroom in SoHo präsentieren wir eine Auswahl an Porzellangefäßen der talentierten Keramikkünstlerin Jennifer Alford.

Jennifer teilt unsere Überzeugung von handwerklichem Können und der stillen Schönheit gut gemachter Objekte. Die preisgekrönte, in Irland geborene Keramikkünstlerin lebt heute im ländlichen Schottland, wo sie in einer umgebauten Mühle arbeitet – umgeben von einer Landschaft, die ihre Glasuren und ihre Handschrift inspiriert.

Ursprünglich als Violinistin ausgebildet, bevor sie sich der Keramik zuwandte, studierte sie am renommierten Ceramics Skills and Design Course in Thomastown, Irland – eine anspruchsvolle Ausbildung, die ihrer ausdrucksstarken, natürlichen Herangehensweise am Töpferrad zugrunde liegt. Ihre Gefäße, reich an Rhythmus und Atmosphäre, sind während der gesamten Dovetail-Veranstaltung in unserem New Yorker Showroom zu sehen.

Vom 14. bis 30. Oktober zeigt Dovetail als kuratierter Rundgang zeitgenössisches britisches Kunsthandwerk in ausgewählten Manhattener Showrooms britischer Designmarken. Mitbegründet von der Autorin und Kuratorin Helen Chislett vereint die Initiative führende britische Unternehmen und unabhängige Kunsthandwerker, darunter auch solche, die von der Queen Elizabeth Scholarship Trust (QEST) und The King’s Foundation unterstützt werden. Es ist eine Hommage an das Beste britischer Handwerkskunst – Design, das mit Sorgfalt, Integrität und zeitloser Anziehungskraft geschaffen wurde.

In unserem Gespräch reflektiert Jennifer über ihren unerwarteten Weg zur Keramik, darüber, wie die schottische Landschaft ihre Arbeit weiterhin prägt, und über die wichtigste Erkenntnis, die sie ihren Studierenden mit auf den Weg geben möchte.

Sie haben Ihre Karriere als Musikerin begonnen. Was hat Sie zur Arbeit mit Ton und Keramik geführt?

Meine erste Begegnung mit Ton fand nach einem Trauerfall statt. Die Kunst bot mir einen Weg, meine Trauer zu verarbeiten. Es war auch das erste Mal, dass ich wirklich abschalten konnte – das Schaffen ist völlig fesselnd, Hände und Geist sind ganz auf die Arbeit konzentriert.

Mehrere Jahre lang besuchte ich Kurse und Workshops und brachte mir vieles selbst bei. Doch wie bei meiner musikalischen Ausbildung wollte ich auch hier die technischen Fähigkeiten erwerben, um mich frei ausdrücken zu können. Deshalb bewarb ich mich für den renommierten Keramikkurs in Thomastown, Irland. Nur zwölf Studierende werden alle zwei Jahre aufgenommen. Der Kurs ist intensiv und praxisorientiert – er deckt alle Aspekte ab, die notwendig sind, um als Studiokeramikerin zu arbeiten: vom Produktionsdrehen über Glasurchemie bis hin zur Ofentechnik.

Wie definieren Sie Schönheit im Kontext des Schaffens von Objekten und Räumen?

Die Natur ist eine unerschöpfliche Quelle der Schönheit und Inspiration – für Farben, Texturen und Formen. Das Land kann rau sein, und die Natur kann grausam wirken, doch ich finde Schönheit im Schatten und in der Dunkelheit. Meine Objekte sollen ein Gefühl oder eine Erinnerung an ihren Ursprung wecken. Manchmal ist die Verbindung offensichtlich – eine von der Ernte inspirierte Glasur oder ein Stein, den ich 2020 an einem Strand in Dublin fand und der zu einem Orangeton in meiner Porzellanarbeit führte. In anderen Fällen geht es eher um ein Gefühl für den Ort, das sich in Linien, Farbkombinationen und Strukturen widerspiegelt.

Was bedeutet Ihnen das Medium Keramik – persönlich und künstlerisch?

Keramik ist ein handwerkliches Können, das mich mit der Erde und einer Gemeinschaft von Kunstschaffenden verbindet, die bis in die Antike reicht. Wir nutzen Techniken, die Hunderte von Jahren alt sind, und lange nachdem ich nicht mehr da bin, wird mein Daumenabdruck auf einer Schale oder Tasse weiterbestehen. Es ist ein großer Gleichmacher – Keramik erfordert jahrelange Übung, und Porzellan hält das Ego im Zaum. Künstlerisch liebe ich das Gleichgewicht zwischen Anstrengung und Freiheit: die körperliche Arbeit des Drehens und die Spontaneität des Gestaltens. Ton ist unglaublich vielseitig. Ich kann Formen weiterentwickeln, Glasuren für bestimmte Farbtöne entwickeln oder das Gefäß als Leinwand für expressive Gesten nutzen. Es ist zu meiner künstlerischen Sprache geworden – mit unendlichen Möglichkeiten zur Erforschung und Kommunikation.

Ihre Arbeit wird stark von der Natur beeinflusst, insbesondere von der schottischen Landschaft, in der Sie leben. Wie spiegeln Ihre Stücke diese Umgebung wider?

Ich reagiere direkt auf die Landschaft – durch meine Gesten und Glasurkombinationen, manchmal sogar durch lokale Tone, die im Feuer des Ofens Texturen und Farbtöne hervorbringen, die an die Umgebung erinnern. Jedes Gefäß wird so zu einer Leinwand für intuitive Pinselstriche und spontane Gesten.

Können Sie uns etwas über die Werke erzählen, die in unserem Showroom gezeigt werden?

Ich arbeite an zwei unterschiedlichen Serien: den Landscape Vessels und der Neume Series. Die Landscape Vessels sind eine direktere Darstellung des Ortes – durch elementare Glasuren und spontane Gesten, inspiriert von Farben und Texturen, die ich auf täglichen Spaziergängen zu allen Jahreszeiten beobachte. Die Neume Series ist eine weitergehende Abstraktion der Bilder und Fotografien, die ich sammle. Die Gesten entstehen spontan auf dem gedrehten Porzellan. Mit der Zeit entwickeln sie sich zu einer Art Sprache. In Anlehnung an abstrakte Prozesse aus der Musik lasse ich Zufallsmomente zu, während ich Motive und Symbole improvisiere, die an eine Partitur erinnern.

Bei Original BTC wissen wir, wie viel Zeit und Sorgfalt es erfordert, feinstes Knochenporzellan von Hand zu perfektionieren. Da wir die Leidenschaft für dieses Material teilen – was war für Sie die größte Herausforderung, und wie haben Sie Wege gefunden, sie zu überwinden?

Die Oberflächenqualität und Transluzenz des Porzellans haben mich von Anfang an fasziniert – sie bieten die perfekte Leinwand für meine Gesten. Doch wie Sie wissen, ist Porzellan ein anspruchsvolles Material, das in jeder Phase des Prozesses viel Aufmerksamkeit und Sorgfalt verlangt.

Ich habe viele Jahre mit Experimenten und Forschung verbracht, um eine Technik zu entwickeln, die die gewünschte Qualität meiner Gesten ermöglicht, während ich gleichzeitig meine Dreherfähigkeiten verfeinert habe. QEST war Teil dieser Reise – es gab mir die Zeit, mit Meistern des Handwerks zu arbeiten und von ihrer langjährigen Erfahrung zu lernen.

Welche zentrale Erkenntnis haben Sie aus Ihrer Erfahrung gewonnen und geben Sie an Ihre Studierenden weiter?

Es kann anstrengend und frustrierend sein, doch von all meinen Lehrern habe ich gelernt: Es gibt keine Abkürzungen – man muss Zeit investieren, um Fähigkeiten zu entwickeln und sie zu festigen. Wie bei jedem lohnenden Handwerk braucht es Geduld und viel Einsatz. Es wird Rückschläge geben, und ich habe Tränen vergossen, wenn Arbeiten direkt nach dem Brand gerissen sind. Doch man lernt weit mehr aus Misserfolgen als aus Erfolgen (etwas, das ich meinen Studierenden immer wieder sage). Keramik ist nichts für Zartbesaitete – aber wenn es gelingt, ist es schlicht magisch.

Wenn Sie nicht in Ihrem Atelier zeichnen oder Keramik fertigen, wo kann man Sie finden?

Ich habe das große Glück, im ländlichen Schottland zu leben. Ich habe zwei Hunde, die mich bei jedem Wetter täglich hinaus in die Natur führen. Im Winter, wenn es zu kalt ist, um in meinem Atelier zu arbeiten, verbringe ich mehr Zeit drinnen am Kamin und genieße für einige Monate ein ruhigeres Tempo. Ich koche gern und bin von landwirtschaftlichen Flächen umgeben – so haben wir reichlich hervorragende lokale Produkte.

Musik ist nach wie vor ein wesentlicher Teil meines Lebens. Ich höre Musik beim Arbeiten – besonders beim Gestalten wird sie laut und energiegeladen. Ich spiele immer noch Violine zum Vergnügen, überlasse Auftritte aber den Profis und besuche so oft wie möglich Live-Konzerte.